La canción de feliz cumpleaños más bonita del mundo...

Oh happy birthday, happy birthday.

Little Lisa, today is your day.

(...)

And they're offering, eternal suffering.

Eternal life, but you say no.

Turn on the radio, clean the windows.

Do it in slow-mo, as the day unfolds.

Oh how the sun shines inside you, just like I do.

These days are gold.

The nights are silver, they make you shiver.

(...)

Here´s a tulip to match your eyes.

Oh drinking cheap wine to bosanova.

You're a supernova in the sky

Happy Birthday, dear friend Lisa a cargo del crooner sueco Jens Lekman y desde su disco When I said I wanted to be your dog (2004), es una simple felicitación de cumpleaños a una tal Lisa que se hace mayor casi sin darse ni cuenta. Desconozco una felicitación de cumpleaños más bonita que esta, dicho queda.

La posibilidad de una Lisa

50 años no es nada (3): El Apartamento (Billy Wilder)

"No creo en Dios. Sólo creo en Billy Wilder"

Fernando Trueba

El Apartamento es un ejemplo irrefutable  de lo que es una gran película. Cine clásico de primera categoría que cumple nada más y nada menos que 50 años manteniendose igual de brillante y firme como una de las grandes películas del siglo XX y una de las destacadas del genial Billy Wilder. Posiblemente la clave de que esta película haya perdurado cinco décadas en la memoria es su frecura, El Apartamento nos hace reir y llorar (y casi siempre al mismo tiempo) como el primer día. La historia de cómo C.C. "Woody" Baxter, un oficinista sin ambiciones presta su apartamento a sus superiores en el trabajo para que puedan verse con sus amantes hasta que se enamora de una de esas mujeres puede que sucediera en 1960 pero podría haber pasado ayer mismo o dentro de otro medio siglo.

Los temas que sobrevuelan El Apartamento son tan actuales a dia de hoy como hace 50 años. El amor, la soledad, el éxito o las apariencias son temaas que nos siguen preocupando en pleno siglo XXI. Es muy fácil identificarse con el bueno de Woody (impecable Jack Lemmon) o con la alegre señorita Kubelick (cándida y luminosa Shirley McLaine). El Apartamento consigue poner una sonrisa en la cara al espectador a partir de un intento de suicidio, a pesar de recrear la soledad y amargura de unos personajes encerrados en sí mismos, que gritan en silencio su necesidad de ser amados.

Otra de las claves del éxito de El Apartamento radica en la perfecta mezcla de géneros que presenta, el drama y la comedia conviven mano a mano en armonía. La carcajada y la lágrima se superponen en una misma secuencia gracias al ingenioso guión que Wilder escribió junto a I.A. L. Diamond y a la maestría desplegada por Wilder desde la silla de director. Wilder toma el tiempo preciso para narrar la historia, cuidando detalles que hacen que como en las grandes películas nos importe tanto el desarrollo del film como el final. Por eso es un film perfecto para ver una y otra vez, para degustarlo desde el principio al maravilloso final cuando el personaje de Jack Lemmon le dice al de Shirley McLaine "¿Me oye, señorita Kubelik? Estoy locamente enamorado de usted".

El Apartamento ganó cinco Oscars de la Academia en 1960. Es una de las pocas comedias que se han alzado con la estatuilla a la mejor película y la última película en blanco y negro en conseguirlo hasta La Lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993). También recibió estatuillas al mejor director, guión original, edición y diseño artístico. La pareja protagonista tuvo que conformarse con nominaciones al premio.

Trailer de El Apartamento (1960)

Campo Santo

W.G. Sebald (1944 - 2001) murió en un estupido accidente de tráfico justo en el momento en el que su obra comenzaba a ser reconocida internacionalmente. El escritor alemán se habia situado ya como una de las figuras clave de la literatura europea actual y como uno de los más audaces renovadores de la novela tradicional. Destacó primero como autor de ensayos literarios antes de dar un tardío salto a la ficción. Tras su muerte se recuperaron algunos textos inconclusos que formaban parte de un proyecto sobre sus viajes a Córcega junto con diferentes ensayos breves sobre la literatura y la guerra de diferentes épocas. El volumen titulado Campo Santo une los dos géneros cultivados por Sebald y dejan constancia de la sobresaliente calidad y coherencia de su obra.

Los cuatro relatos breves recogidos en Campo Santo forman parte de un viejo proyecto del autor, un libro de viajes sobre la isla de Córcega, del mismo modo que Los Anillos de Saturno lo era sobre el sur de Inglaterra. Sebald utiliza la isla mediterranea para dar continuidad a su obsesión por recuperar el pasado y rescatarlo del olvido perpétuo. El escritor alemán nos habla de muerte, decadencia, tradición, del peso del pasado y de sus demonios personales que se pasean por museos, casas antiguas (Pequeña excursión a Ajaccio), bosques (Los Alpes en el Mar) y el cementerio al que alude el título del libro.

A continuación un breve fragmento del relato que da título al libro:

"Los muertos siguen estando a nuestro alrededor, pero a veces creo que quizá desaparezcan pronto. Ahora que hemos llegado al punto en el que el número de los que viven en la tierra se ha duplicado en el curso de sólo treinta años, y se triplicará de nuevo en la proxima generación, no tenemos, que temer ya a la población, antes superior, de los muertos. Su importancia disminuye visiblemente. No se puede hablar ya de recuerdo eterno y veneración de nuestros ancestros. Muy al contrario, los muertos deben ser apartados ahora tan rápida y concienzundamente como se pueda. Quien no ha pensado en una ceremonia en el crematorio, cuando se introduce el ataúd en el horno sobre la cureña, que la forma de despedirnos de los difuntos se caracteriza por una mezquindad y una prisa mal disimuladas. También el espacio que se concede a los muertos se hace cada vez más pequeño y con frecuencia, cuando han pasado unos años apenas, se los despide. ¿Dónde se depositan entonces los restos mortales, cómo se eliminan? Evidentemente, la presión es grande, incluso aquí en nuestro país. ¡Y cómo debe ser en las ciudades que inexorablemente avanzan hacia los treinta millones! ¿Adónde van los muertos de Buenos Aires y San Pablo, de Mexico DF y El Cairo, de Tokio, Shanghai y Bombay? Sin duda son los menos los que encuentran una tumba nueva. ¿Y quien se acuerda de ellos, quien se acuerda en absoluto? Recordar, conservar y preservar, escribió Pierre Bertaux sobre la mutación de la humanidad hace ya treinta años, era importante sólo en la época en que la densidad de población era escasa, los objetos que fabricábamos raros y había espacio en abundancia. No se podía renuncia entonces a nadie, ni siquiera cuando estaba muerto. En cambio, en las que sociedades urbanas de finales del siglo XX, en las que, de una hora a otra, todo el mundo es reemplazable y en realidad ya superfluo desde su nacimiento, lo que importa es arrojar continaumente lastre por la borda, olvidar sin descanso todo lo que se podría recordar: la juventud, la infancia, el origen, nuestros progenitores y antepasados. Durante algún tiempo existirá el sitio recientemente introducido en internet "Memorial Grove", en el que se puede inhumar y visitar electrónicamente a los que nos son especialmente próximos. Sin embargo, luego también ese virtual cimetery se disolverá en el éter, y el pasado entero se disipará en una masa informe, indistinta y muda. Y al dejar un presente sin memoria y ante un futuro que no podrá concebir ya la razón de nadie, abandonaremos la vida por fin sin sentir la necesidad de permanecer al menos algún tiempo o de poder volver de visita ocasionalmente"

Campo Santo, de W. G. Sebald

La tumba del W.G. Sebald

Muere un beso robado.

Ha muerto la enfermera más famosa de Nueva York. Edith Shain, protagonista del beso robado más famoso del siglo XX, falleció el pasado domingo en Los Angeles a los 91 años de edad. La instantánea tomada por Alfred Eisenstaedt en 1945 se convirtió en el símbolo de la celebración del fin de la II Guerra Mundial en todo el mundo tras aparecer en la revista Life.

En la fotografía tomada el Dia de la Victoría en Times Square, Edith Shain aparece vestida de blanco besando a un marinero cuya identidad no se ha podido averiguar. La identidad de la enfermera permaneció en el anonimato hasta finales de los 70 cuando la propia protagonista escribió al fotografo para comunicarle que ella era la mujer de la fotografía. La instantánea se ha convertido en todo un símbolo de celebración de la vida, de la juventud y de esperanzas de futuro condensandas en un beso fugaz.

Interpol regresan aburriendo...

Interpol han colgado esta mañana en su web un videoclip en calidad HD como adelanto de su nuevo disco. No se sabe si será el single elegido o no, pero es lo primero que conocemos del que será su cuarto disco. Si el objetivo era intentar colapsar durante unas horas las redes sociales no lo han conseguido. Si el objetivo era poner los dientes largos ante su futuro disco, al menos conmigo tampoco. Todo muy estético, todo muy frío y aséptico, muy bien fotografiado y todo muy obvio. Justo así es como me imagino a Lady Gaga drogándose. La canción recuerda a las de su primer y mejor disco Turn off the Bright Lights (2002), pero tras el peñazo monumental que supuso Our Love to Admire (2007) estos chicos están urgentemente necesitados de unos cuantos hits como los que incluía Antics (2004).  Van a llenar muchos estadios pero esto no les da para un aprobado de momento.

50 años no es nada (2): La Dolce Vita de Federico Fellini

50 años atrás el cine hacía historia en una fuente. No era una fuente cualquiera, sino la magna Fontana di Trevi, en el centro de Roma, una ciudad que vivía del cine en aquella época.  En abril del 59 Anita Ekberg se bañaba a nueve grados de temperatura en la Fontana di Trevi, una de las secuencias más célebres del cine. Un año después la pelicula recibía la Palma de Oro en Cannes y cuando se estrenó la antigua Italia dio un salto de gigante hacia el mundo moderno. Una vez pasó la censura, La Dolce Vita generó una controversia feroz y profetizó casi con poderes sobrenaturales el advenimiento del mundo en el que nos hallamos inmersos. El escándalo tras el estreno al que se sumó la dura condena por parte del Vaticano y de L´Osservatore Romano contribuyó a la rápida expansión internacional de la película. Con la excepción de España, claro.

La película del maestro Federico Fellini retrata de manera fragmentaria los entresijos de una sociedad frívola, aburrida cínica y decadente que anticipa la crisis moral producida por la sociedad del bienestar y el consumo. En La Dolce Vita se retransmiten milagros a la carta, aparece la homosexualidad reprimida, las grandes fiestas y la superficialidad de la prensa moderna que se entrega al cotilleo puro a partir de la figura del paparazzo alter ego de Fellini encarnado por el siempre genial Marcello Mastroianni. Fellini, quitándose importancia, explicaba así la película: "Sólo quería decir que, pese a todo, la vida tiene una dulzura profunda, innegable". (...) "Porque así es la vida", sugirió Fellini.

Anita Ekberg y Marcello Mastroianni en la Fontana di Trevi

No es común que una película cambie el cine. La Dolce Vita lo hizo. Aún se pueden notar sus influencia en películas contemporáneas. La Dolce Vita muestra una Roma dinamizada por el fuerte crecimiento económico, una sociedad que vive ajena a la misería y el dolor de la guerra y en la que los signos crecientes de modernidad no hacen más que volver a sacar a la luz las viejas divisiones sociales. Han pasado 50 años. las tecnicas y recursos narrativos han cambiado pero La Dolce Vita sigue siendo un retrato cruel  y amargo de una sociedad a la deriva. Sigue siendo un retrato fiel de nuestros días.

Marcello! ¿dónde estas?

Marcello y los payasos tristes

50 años no es nada (1): Psicosis (Alfred Hitchcock)

Vertigo y La Ventana Indiscreta son las obras maestras indiscutibles de Hitchcock, pero posiblemente es Psicosis su película más popular y la primera que se nos viene a la mente al recordar el genio del suspense. Psicosis es una obra maestra filmada con escasos recursos y una financiación mínima. Sin estrellas de renombre, ni pirotécnia consiguió llegar a un público masivo con enorme facilidad. Una película visual, cine de verdad en el que la narración se hace a través las imágenes y donde los planos y las secuencias tienen un ritmo casi musical. El lenguaje del cine elevado a la verdad absoluta.

Todo aquel que ha visto la película es consciente de que el cine de suspense, el thriller y el cine de terror no serían lo mismo sin la existencia de Psicosis. Hitchcock fue el primero en atreverse a cometer la tropelía de asesinar a su protagonista a mitad de la pelicula, justo en el momento en el que la audiencia comienza a identificarse y sentir aprecio por un personaje que ha robado una importante suma de dinero. El asesinato de Marion (Janet Leigh) llega en el momento justo, cuando Marion está cerca de redimirse. Hitchcock deja a la platea temblando. Visionar Psicosis contínua siendo una de las experiencias de suspense más intensas del mundo, orquestada por la mente de un artista brillante. El propio Hitchcock le comentaba a Francois Truffaut en sus célebres conversaciones "La construcción de esta película es muy interesante y es mi experiencia más apasionante como juego con el público. Con ella, dirigía a los espectadores, exactamente igual que si tocara el organo".

Capítulo aparte merece la celebérrima escena de la ducha. Con sus setenta cortes de dos o tres segundos ofrece una clase magistral de montaje. Rápido y planificado hasta el milímetro con el apoyo de las estremecedoras y chirriantes notas de Bernard Herrmann. La sombra de Psicosis es alargada. 50 años y mucho psychokillers después, la mirada perdida final de Norman Bates sigue erizando el vello del más valiente.

La famosa escena de la ducha.

Trailer de Psicosis. Don Alfredo nos enseña los decorados de su última película

Día de la Música Heineken: The XX + Standstill + Polock

Los fastos del día música finalizaron ayer con una cita en el circo Price de Madrid para ver el debut de The XX en la capital junto a una nueva visita de Standstill. Una noche excelente sobre el papel que acabó con un resultado mucho más mediocre que el de la selección española. A pesar de todo, se agradecen estos actos gratuitos y tan apetecibles en los que además es tan fácil colarse poniendo cara de retrasado.

Polock

La noche comenzó con uno de esos grupos chungos chunguisimos que pululan por la peninsula sin razón de existencia. Un quintento valenciano que parecía recien salido de la sala de ensayos. Dicen que hacen rock bailable, pero más bien parecían una operación reciclaje de cualquier banda noventera con aspiraciones a sonar en radiofórmula. Para rematar la faena mortal atacaron con premeditación y alevosia y con la ayuda de Standstill una destrozona versión de Race for the Price de The Flaming Lips. Por cosas menores fusilan a mucha gente en el mundo. 0

Standstill.

Los catalanes viven su mejor momento comercial tras la publicación del triple EP Adelante Bonaparte. Un disco conceptual, excesivamente ambicioso y que aunque cae en la pretenciosidad y en el sopor en algunos pasajes sigue guardando momentos estupendos. Otra cosa es llevarlo al directo. La sucesión ordenada y lógica de un disco conceptual como Adelante Bonaparte hace crecer las canciones y explotar su componente emocional facilmente. Por el contrario, desgranar estas canciones a modo de puzzle  las hace quedarse muy pequeñas en comparación con los celebrados temas de Viva la Guerra (2006) y Standstill (2004). La reacción del público fue obvia, algunas canciones las recibia "Mientras el universo ronca" y el resultado fue sólo tibio. 5.5

The XX

El trío británico fotocopiaron su show del pasado Primavera Sound punto por punto. Comenzarón con un sonido que oscilaba entre lo nefasto y lo penoso. Bajos solapados y voces ahogadas que te hacían parecer que el concierto se estaba celebrando en la habitación de al lado. Al transformar el final de Shelter en una pieza bailable, tocan una tecla mágica que transforma un concierto deficiente en un show notable. Desde ese momento el sonido se vuelve cristalino, envolvente e hipnótico. Lastima que sea solo un tercio de un fotocopiado show. El beneficio de la duda de hace un mes ya no lo tienen y ahora sólo queda esperar un segundo disco que se les antoja muy complicado y que aprieten la tecla mágica antes. 4

Lo que Polock y Standstill destrozaron anoche

¡Viva Honduras!

Ningún país con una tasa del 20% de paro y un 42% de paro juvenil que no sale a las calles a quemar contenedores, dar cacerolazos y proclamar el advenimiento del Apocalipsis merece ganar ningún partido del mundia. Eso sí, aser posible que gane hoy y pierda el siguiente partido y así  la derrota sea más dura y humillante. Nos lo merecemos españoles. AMEN.

Apueste por Una (3): Ghost Rider (Suicide) / Born Free (M.I.A)

El mítico dúo de punk electrónico Suicide se encuentra más de actualidad que nunca. Numerosas bandas les reivindican como  influencia, sonando ahora mismo como una evolución de lo que los neoyorkinos hacían 30 años atrás. La vigencia de Suicide queda demostrada una vez más gracis a  M.I.A. La rapera originaria del Sri Lanka aficionada a vestirse con lo primero que pilla por la calle, no versiona sino que directamente les copia su hit Ghost Rider por la patilla. A pesar del notable resultado, una cosa es utilizar un sampler y otra es la apropiación indebida de las genialidades de otros. A continuación un paseo por el Ghost Rider original, unas cuantas versiones y el single robado de M.I.A.

1. M.I.A. Born Free (2010)

El nuevo single de la autora de Arular (2005)  y Kala (2007) se llama Born Free y a la larga resulta con diferencia lo mejor grabado nunca por MIA. El videoclip que acompaña a la canción es una pequeña joya  fantasticamente rodada por Romain Gavras, hijo del director griego de Z y Desaparecido, Constantin Costa-Gavras. Ya había dado muestras de talento para hacer buenos clips en piezas como I Believe (Simian Mobile Disco), Stress (Justice) o The Age of the Understament (The Last Shadow Puppets), pero en esta ocasión va un paso por delante. Una denuncia de la persecución étnica filmada con una tensión notable y un estilo ultraviolento. La ironía que desprende esta persecución de pelirrojos por parte de soldados  que enarbolan banderas americanas no ha sido muy bien entendida en medio mundo y puede que finalmente esta estupenda apropiación del viejo tema de Suicide sea sólo recordada por haber sido censurada por youtube, esa página donde se supone que cabe todo pero no que un blanco torture a otro blanco. Mientras tanto, en la misma página y en todas las televisiones del mundo Lady Gaga y Beyonce se pasean por EEUU dejando cadaveres por doquier y vestidas como dos auténticas mamarrachas. Una pena.

2. SUICIDE. Ghost Rider (1977)

Ghost Rider apareció por primera vez en el primer album de Suicide (1977) y es junto a Frankie Teardrop el tema más conocido del dúo neoyorkino. Oda nihilista que demostró muy tempranamente que el punk es actitud combativa por encima de un sonido basado en guitarras afiladas. Ghost Rider en punk, post punk, rock electrónico y synth pop, todo en escasos dos minutos y medio. Rompieron con lo establecido con sintetizadores de saldo y rígidos patrones rítmicos. En su libro 31 Canciones, Nick Hornby dedica un capítulo entero a poner por los suelos este disco de Suicide aduciendo que le induce al vomito físico. Él se lo pierde. Vomitar es un acto íntimo de primerísimo orden.

THE HORRORS. Ghost Rider (2009)

Los británicos me producían una pereza tremenda a la altura de su primer disco de 2007 pero dos años después y con la producción de Geof Barrow de Portishead parieron ese disco enorme que es Primary Colors (2009) y todo cambió. En la gira que acompañó a ese disco interpretaban una dignísima versión del Ghost Rider. Cruda, oscura y malcarada, esta versión es plenamente coherente con las virtudes mostradas por los escarabajos flacuchos en su segundo disco.

JEREMY JAY. Ghost Rider (2009)

Y para acabar una versión hipnótica a cargo del espigado Jeremy Jay. Incluida en el EP Love Everlasting junto con otros covers notables la tocó en directo repetidas veces durante el 2009 El compositor de Los Ángeles ofrece una versión más diferente a la de The Horrors acercándola a su estilo lo fi destartalado.