miércoles, 30 de junio de 2010

La canción de feliz cumpleaños más bonita del mundo...


Oh happy birthday, happy birthday.
Little Lisa, today is your day.
(...)
And they're offering, eternal suffering.
Eternal life, but you say no.
Turn on the radio, clean the windows.
Do it in slow-mo, as the day unfolds.
Oh how the sun shines inside you, just like I do.
These days are gold.
The nights are silver, they make you shiver.
(...)
Here´s a tulip to match your eyes.
Oh drinking cheap wine to bosanova.
You're a supernova in the sky



Happy Birthday, dear friend Lisa a cargo del crooner sueco Jens Lekman y desde su disco When I said I wanted to be your dog (2004), es una simple felicitación de cumpleaños a una tal Lisa que se hace mayor casi sin darse ni cuenta. Desconozco una felicitación de cumpleaños más bonita que esta, dicho queda.


La posibilidad de una Lisa

martes, 29 de junio de 2010

50 años no es nada (3): El Apartamento (Billy Wilder)

"No creo en Dios. Sólo creo en Billy Wilder"
Fernando Trueba

El Apartamento es un ejemplo irrefutable  de lo que es una gran película. Cine clásico de primera categoría que cumple nada más y nada menos que 50 años manteniendose igual de brillante y firme como una de las grandes películas del siglo XX y una de las destacadas del genial Billy Wilder. Posiblemente la clave de que esta película haya perdurado cinco décadas en la memoria es su frecura, El Apartamento nos hace reir y llorar (y casi siempre al mismo tiempo) como el primer día. La historia de cómo C.C. "Woody" Baxter, un oficinista sin ambiciones presta su apartamento a sus superiores en el trabajo para que puedan verse con sus amantes hasta que se enamora de una de esas mujeres puede que sucediera en 1960 pero podría haber pasado ayer mismo o dentro de otro medio siglo.

Los temas que sobrevuelan El Apartamento son tan actuales a dia de hoy como hace 50 años. El amor, la soledad, el éxito o las apariencias son temaas que nos siguen preocupando en pleno siglo XXI. Es muy fácil identificarse con el bueno de Woody (impecable Jack Lemmon) o con la alegre señorita Kubelick (cándida y luminosa Shirley McLaine). El Apartamento consigue poner una sonrisa en la cara al espectador a partir de un intento de suicidio, a pesar de recrear la soledad y amargura de unos personajes encerrados en sí mismos, que gritan en silencio su necesidad de ser amados.

Otra de las claves del éxito de El Apartamento radica en la perfecta mezcla de géneros que presenta, el drama y la comedia conviven mano a mano en armonía. La carcajada y la lágrima se superponen en una misma secuencia gracias al ingenioso guión que Wilder escribió junto a I.A. L. Diamond y a la maestría desplegada por Wilder desde la silla de director. Wilder toma el tiempo preciso para narrar la historia, cuidando detalles que hacen que como en las grandes películas nos importe tanto el desarrollo del film como el final. Por eso es un film perfecto para ver una y otra vez, para degustarlo desde el principio al maravilloso final cuando el personaje de Jack Lemmon le dice al de Shirley McLaine "¿Me oye, señorita Kubelik? Estoy locamente enamorado de usted".

El Apartamento ganó cinco Oscars de la Academia en 1960. Es una de las pocas comedias que se han alzado con la estatuilla a la mejor película y la última película en blanco y negro en conseguirlo hasta La Lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993). También recibió estatuillas al mejor director, guión original, edición y diseño artístico. La pareja protagonista tuvo que conformarse con nominaciones al premio.
Trailer de El Apartamento (1960)

jueves, 24 de junio de 2010

Campo Santo





W.G. Sebald (1944 - 2001) murió en un estupido accidente de tráfico justo en el momento en el que su obra comenzaba a ser reconocida internacionalmente. El escritor alemán se habia situado ya como una de las figuras clave de la literatura europea actual y como uno de los más audaces renovadores de la novela tradicional. Destacó primero como autor de ensayos literarios antes de dar un tardío salto a la ficción. Tras su muerte se recuperaron algunos textos inconclusos que formaban parte de un proyecto sobre sus viajes a Córcega junto con diferentes ensayos breves sobre la literatura y la guerra de diferentes épocas. El volumen titulado Campo Santo une los dos géneros cultivados por Sebald y dejan constancia de la sobresaliente calidad y coherencia de su obra.
Los cuatro relatos breves recogidos en Campo Santo forman parte de un viejo proyecto del autor, un libro de viajes sobre la isla de Córcega, del mismo modo que Los Anillos de Saturno lo era sobre el sur de Inglaterra. Sebald utiliza la isla mediterranea para dar continuidad a su obsesión por recuperar el pasado y rescatarlo del olvido perpétuo. El escritor alemán nos habla de muerte, decadencia, tradición, del peso del pasado y de sus demonios personales que se pasean por museos, casas antiguas (Pequeña excursión a Ajaccio), bosques (Los Alpes en el Mar) y el cementerio al que alude el título del libro.

A continuación un breve fragmento del relato que da título al libro:

"Los muertos siguen estando a nuestro alrededor, pero a veces creo que quizá desaparezcan pronto. Ahora que hemos llegado al punto en el que el número de los que viven en la tierra se ha duplicado en el curso de sólo treinta años, y se triplicará de nuevo en la proxima generación, no tenemos, que temer ya a la población, antes superior, de los muertos. Su importancia disminuye visiblemente. No se puede hablar ya de recuerdo eterno y veneración de nuestros ancestros. Muy al contrario, los muertos deben ser apartados ahora tan rápida y concienzundamente como se pueda. Quien no ha pensado en una ceremonia en el crematorio, cuando se introduce el ataúd en el horno sobre la cureña, que la forma de despedirnos de los difuntos se caracteriza por una mezquindad y una prisa mal disimuladas. También el espacio que se concede a los muertos se hace cada vez más pequeño y con frecuencia, cuando han pasado unos años apenas, se los despide. ¿Dónde se depositan entonces los restos mortales, cómo se eliminan? Evidentemente, la presión es grande, incluso aquí en nuestro país. ¡Y cómo debe ser en las ciudades que inexorablemente avanzan hacia los treinta millones! ¿Adónde van los muertos de Buenos Aires y San Pablo, de Mexico DF y El Cairo, de Tokio, Shanghai y Bombay? Sin duda son los menos los que encuentran una tumba nueva. ¿Y quien se acuerda de ellos, quien se acuerda en absoluto? Recordar, conservar y preservar, escribió Pierre Bertaux sobre la mutación de la humanidad hace ya treinta años, era importante sólo en la época en que la densidad de población era escasa, los objetos que fabricábamos raros y había espacio en abundancia. No se podía renuncia entonces a nadie, ni siquiera cuando estaba muerto. En cambio, en las que sociedades urbanas de finales del siglo XX, en las que, de una hora a otra, todo el mundo es reemplazable y en realidad ya superfluo desde su nacimiento, lo que importa es arrojar continaumente lastre por la borda, olvidar sin descanso todo lo que se podría recordar: la juventud, la infancia, el origen, nuestros progenitores y antepasados. Durante algún tiempo existirá el sitio recientemente introducido en internet "Memorial Grove", en el que se puede inhumar y visitar electrónicamente a los que nos son especialmente próximos. Sin embargo, luego también ese virtual cimetery se disolverá en el éter, y el pasado entero se disipará en una masa informe, indistinta y muda. Y al dejar un presente sin memoria y ante un futuro que no podrá concebir ya la razón de nadie, abandonaremos la vida por fin sin sentir la necesidad de permanecer al menos algún tiempo o de poder volver de visita ocasionalmente"

Campo Santo, de W. G. Sebald
La tumba del W.G. Sebald

miércoles, 23 de junio de 2010

Muere un beso robado.



Ha muerto la enfermera más famosa de Nueva York. Edith Shain, protagonista del beso robado más famoso del siglo XX, falleció el pasado domingo en Los Angeles a los 91 años de edad. La instantánea tomada por Alfred Eisenstaedt en 1945 se convirtió en el símbolo de la celebración del fin de la II Guerra Mundial en todo el mundo tras aparecer en la revista Life.

En la fotografía tomada el Dia de la Victoría en Times Square, Edith Shain aparece vestida de blanco besando a un marinero cuya identidad no se ha podido averiguar. La identidad de la enfermera permaneció en el anonimato hasta finales de los 70 cuando la propia protagonista escribió al fotografo para comunicarle que ella era la mujer de la fotografía. La instantánea se ha convertido en todo un símbolo de celebración de la vida, de la juventud y de esperanzas de futuro condensandas en un beso fugaz.

Interpol regresan aburriendo...


Interpol han colgado esta mañana en su web un videoclip en calidad HD como adelanto de su nuevo disco. No se sabe si será el single elegido o no, pero es lo primero que conocemos del que será su cuarto disco. Si el objetivo era intentar colapsar durante unas horas las redes sociales no lo han conseguido. Si el objetivo era poner los dientes largos ante su futuro disco, al menos conmigo tampoco. Todo muy estético, todo muy frío y aséptico, muy bien fotografiado y todo muy obvio. Justo así es como me imagino a Lady Gaga drogándose. La canción recuerda a las de su primer y mejor disco Turn off the Bright Lights (2002), pero tras el peñazo monumental que supuso Our Love to Admire (2007) estos chicos están urgentemente necesitados de unos cuantos hits como los que incluía Antics (2004).  Van a llenar muchos estadios pero esto no les da para un aprobado de momento.

50 años no es nada (2): La Dolce Vita de Federico Fellini




50 años atrás el cine hacía historia en una fuente. No era una fuente cualquiera, sino la magna Fontana di Trevi, en el centro de Roma, una ciudad que vivía del cine en aquella época.  En abril del 59 Anita Ekberg se bañaba a nueve grados de temperatura en la Fontana di Trevi, una de las secuencias más célebres del cine. Un año después la pelicula recibía la Palma de Oro en Cannes y cuando se estrenó la antigua Italia dio un salto de gigante hacia el mundo moderno. Una vez pasó la censura, La Dolce Vita generó una controversia feroz y profetizó casi con poderes sobrenaturales el advenimiento del mundo en el que nos hallamos inmersos. El escándalo tras el estreno al que se sumó la dura condena por parte del Vaticano y de L´Osservatore Romano contribuyó a la rápida expansión internacional de la película. Con la excepción de España, claro.

La película del maestro Federico Fellini retrata de manera fragmentaria los entresijos de una sociedad frívola, aburrida cínica y decadente que anticipa la crisis moral producida por la sociedad del bienestar y el consumo. En La Dolce Vita se retransmiten milagros a la carta, aparece la homosexualidad reprimida, las grandes fiestas y la superficialidad de la prensa moderna que se entrega al cotilleo puro a partir de la figura del paparazzo alter ego de Fellini encarnado por el siempre genial Marcello Mastroianni. Fellini, quitándose importancia, explicaba así la película: "Sólo quería decir que, pese a todo, la vida tiene una dulzura profunda, innegable". (...) "Porque así es la vida", sugirió Fellini.

Anita Ekberg y Marcello Mastroianni en la Fontana di Trevi

No es común que una película cambie el cine. La Dolce Vita lo hizo. Aún se pueden notar sus influencia en películas contemporáneas. La Dolce Vita muestra una Roma dinamizada por el fuerte crecimiento económico, una sociedad que vive ajena a la misería y el dolor de la guerra y en la que los signos crecientes de modernidad no hacen más que volver a sacar a la luz las viejas divisiones sociales. Han pasado 50 años. las tecnicas y recursos narrativos han cambiado pero La Dolce Vita sigue siendo un retrato cruel  y amargo de una sociedad a la deriva. Sigue siendo un retrato fiel de nuestros días.


Marcello! ¿dónde estas?
Marcello y los payasos tristes

martes, 22 de junio de 2010

50 años no es nada (1): Psicosis (Alfred Hitchcock)



Vertigo y La Ventana Indiscreta son las obras maestras indiscutibles de Hitchcock, pero posiblemente es Psicosis su película más popular y la primera que se nos viene a la mente al recordar el genio del suspense. Psicosis es una obra maestra filmada con escasos recursos y una financiación mínima. Sin estrellas de renombre, ni pirotécnia consiguió llegar a un público masivo con enorme facilidad. Una película visual, cine de verdad en el que la narración se hace a través las imágenes y donde los planos y las secuencias tienen un ritmo casi musical. El lenguaje del cine elevado a la verdad absoluta.

Todo aquel que ha visto la película es consciente de que el cine de suspense, el thriller y el cine de terror no serían lo mismo sin la existencia de Psicosis. Hitchcock fue el primero en atreverse a cometer la tropelía de asesinar a su protagonista a mitad de la pelicula, justo en el momento en el que la audiencia comienza a identificarse y sentir aprecio por un personaje que ha robado una importante suma de dinero. El asesinato de Marion (Janet Leigh) llega en el momento justo, cuando Marion está cerca de redimirse. Hitchcock deja a la platea temblando. Visionar Psicosis contínua siendo una de las experiencias de suspense más intensas del mundo, orquestada por la mente de un artista brillante. El propio Hitchcock le comentaba a Francois Truffaut en sus célebres conversaciones "La construcción de esta película es muy interesante y es mi experiencia más apasionante como juego con el público. Con ella, dirigía a los espectadores, exactamente igual que si tocara el organo".


Capítulo aparte merece la celebérrima escena de la ducha. Con sus setenta cortes de dos o tres segundos ofrece una clase magistral de montaje. Rápido y planificado hasta el milímetro con el apoyo de las estremecedoras y chirriantes notas de Bernard Herrmann. La sombra de Psicosis es alargada. 50 años y mucho psychokillers después, la mirada perdida final de Norman Bates sigue erizando el vello del más valiente.
La famosa escena de la ducha.

Trailer de Psicosis. Don Alfredo nos enseña los decorados de su última película

Día de la Música Heineken: The XX + Standstill + Polock

Los fastos del día música finalizaron ayer con una cita en el circo Price de Madrid para ver el debut de The XX en la capital junto a una nueva visita de Standstill. Una noche excelente sobre el papel que acabó con un resultado mucho más mediocre que el de la selección española. A pesar de todo, se agradecen estos actos gratuitos y tan apetecibles en los que además es tan fácil colarse poniendo cara de retrasado.


Polock

La noche comenzó con uno de esos grupos chungos chunguisimos que pululan por la peninsula sin razón de existencia. Un quintento valenciano que parecía recien salido de la sala de ensayos. Dicen que hacen rock bailable, pero más bien parecían una operación reciclaje de cualquier banda noventera con aspiraciones a sonar en radiofórmula. Para rematar la faena mortal atacaron con premeditación y alevosia y con la ayuda de Standstill una destrozona versión de Race for the Price de The Flaming Lips. Por cosas menores fusilan a mucha gente en el mundo. 0



Standstill.

Los catalanes viven su mejor momento comercial tras la publicación del triple EP Adelante Bonaparte. Un disco conceptual, excesivamente ambicioso y que aunque cae en la pretenciosidad y en el sopor en algunos pasajes sigue guardando momentos estupendos. Otra cosa es llevarlo al directo. La sucesión ordenada y lógica de un disco conceptual como Adelante Bonaparte hace crecer las canciones y explotar su componente emocional facilmente. Por el contrario, desgranar estas canciones a modo de puzzle  las hace quedarse muy pequeñas en comparación con los celebrados temas de Viva la Guerra (2006) y Standstill (2004). La reacción del público fue obvia, algunas canciones las recibia "Mientras el universo ronca" y el resultado fue sólo tibio. 5.5


The XX

El trío británico fotocopiaron su show del pasado Primavera Sound punto por punto. Comenzarón con un sonido que oscilaba entre lo nefasto y lo penoso. Bajos solapados y voces ahogadas que te hacían parecer que el concierto se estaba celebrando en la habitación de al lado. Al transformar el final de Shelter en una pieza bailable, tocan una tecla mágica que transforma un concierto deficiente en un show notable. Desde ese momento el sonido se vuelve cristalino, envolvente e hipnótico. Lastima que sea solo un tercio de un fotocopiado show. El beneficio de la duda de hace un mes ya no lo tienen y ahora sólo queda esperar un segundo disco que se les antoja muy complicado y que aprieten la tecla mágica antes. 4


Lo que Polock y Standstill destrozaron anoche

lunes, 21 de junio de 2010

¡Viva Honduras!



Ningún país con una tasa del 20% de paro y un 42% de paro juvenil que no sale a las calles a quemar contenedores, dar cacerolazos y proclamar el advenimiento del Apocalipsis merece ganar ningún partido del mundia. Eso sí, aser posible que gane hoy y pierda el siguiente partido y así  la derrota sea más dura y humillante. Nos lo merecemos españoles. AMEN.

Apueste por Una (3): Ghost Rider (Suicide) / Born Free (M.I.A)


El mítico dúo de punk electrónico Suicide se encuentra más de actualidad que nunca. Numerosas bandas les reivindican como  influencia, sonando ahora mismo como una evolución de lo que los neoyorkinos hacían 30 años atrás. La vigencia de Suicide queda demostrada una vez más gracis a  M.I.A. La rapera originaria del Sri Lanka aficionada a vestirse con lo primero que pilla por la calle, no versiona sino que directamente les copia su hit Ghost Rider por la patilla. A pesar del notable resultado, una cosa es utilizar un sampler y otra es la apropiación indebida de las genialidades de otros. A continuación un paseo por el Ghost Rider original, unas cuantas versiones y el single robado de M.I.A.
1. M.I.A. Born Free (2010)


El nuevo single de la autora de Arular (2005)  y Kala (2007) se llama Born Free y a la larga resulta con diferencia lo mejor grabado nunca por MIA. El videoclip que acompaña a la canción es una pequeña joya  fantasticamente rodada por Romain Gavras, hijo del director griego de Z y Desaparecido, Constantin Costa-Gavras. Ya había dado muestras de talento para hacer buenos clips en piezas como I Believe (Simian Mobile Disco), Stress (Justice) o The Age of the Understament (The Last Shadow Puppets), pero en esta ocasión va un paso por delante. Una denuncia de la persecución étnica filmada con una tensión notable y un estilo ultraviolento. La ironía que desprende esta persecución de pelirrojos por parte de soldados  que enarbolan banderas americanas no ha sido muy bien entendida en medio mundo y puede que finalmente esta estupenda apropiación del viejo tema de Suicide sea sólo recordada por haber sido censurada por youtube, esa página donde se supone que cabe todo pero no que un blanco torture a otro blanco. Mientras tanto, en la misma página y en todas las televisiones del mundo Lady Gaga y Beyonce se pasean por EEUU dejando cadaveres por doquier y vestidas como dos auténticas mamarrachas. Una pena.


2. SUICIDE. Ghost Rider (1977)

Ghost Rider apareció por primera vez en el primer album de Suicide (1977) y es junto a Frankie Teardrop el tema más conocido del dúo neoyorkino. Oda nihilista que demostró muy tempranamente que el punk es actitud combativa por encima de un sonido basado en guitarras afiladas. Ghost Rider en punk, post punk, rock electrónico y synth pop, todo en escasos dos minutos y medio. Rompieron con lo establecido con sintetizadores de saldo y rígidos patrones rítmicos. En su libro 31 Canciones, Nick Hornby dedica un capítulo entero a poner por los suelos este disco de Suicide aduciendo que le induce al vomito físico. Él se lo pierde. Vomitar es un acto íntimo de primerísimo orden.


THE HORRORS. Ghost Rider (2009)


Los británicos me producían una pereza tremenda a la altura de su primer disco de 2007 pero dos años después y con la producción de Geof Barrow de Portishead parieron ese disco enorme que es Primary Colors (2009) y todo cambió. En la gira que acompañó a ese disco interpretaban una dignísima versión del Ghost Rider. Cruda, oscura y malcarada, esta versión es plenamente coherente con las virtudes mostradas por los escarabajos flacuchos en su segundo disco.

JEREMY JAY. Ghost Rider (2009)


Y para acabar una versión hipnótica a cargo del espigado Jeremy Jay. Incluida en el EP Love Everlasting junto con otros covers notables la tocó en directo repetidas veces durante el 2009 El compositor de Los Ángeles ofrece una versión más diferente a la de The Horrors acercándola a su estilo lo fi destartalado.

martes, 15 de junio de 2010

At the Indie Disco...


El décimo disco de Neil Hannon no es ni mejor ni peor que los otros nueve. Ha llegado a un punto en el que cualquiera de sus entregas supone un valor seguro de calidad y exquisitez. La portada de Bang Goes the Knighthood (2010) ya da buena muestra del contenido del disco. Un Neil Hannon que vuelve hacer gala de su agudo sentido para la ironía aparece en una bañera con pajarita y bombín, acompañado de su perro y con el champagne listo. En esta última entrega se muestra a medio camino entre la euforia pop de los discos de The Divine Comedy de la década de los 90 y los excesos de barroquismo de los dos últimos Absent Friends (2004) y Victory for the Comic Muse (2006).

Neil Hannon nos entrega de nuevo una estupenda colección de canciones. Maravilloso pop orquestado, algunas veces cercano al easylistening. Destacan canciones soberbias como Neapolitan Girl, The Lost Art of Conversation, Down in the Street o I Like. El norirlandes sigue mirando el mundo con extrañeza y aportando su cínico sentido del humor a narraciones sobre la crisis política, lolitas en busca de amantes, caballeros que se pasean por tugurios de mala muerte o simples canciones de amor. Por cada nota asoma el espíritu decadente de un dandy romántico y su particular visión del mundo.

 En el excelente single At the Indie Disco Neil Hannon se pone juguetón. Una pequeña joya que esconde una burla cariñosa a esos clubs que tanto nos aburren porque ponen siempre las mismas canciones  pero a los que se acaba volviendo por encontrarte en ellos como en el salón de tu casa. Con guiños a Blur, Morrisey, Pixies, Stone Roses, My Bloody Valentine, The Cure o New Order. En el video, simple y muy resultón aparecen además numerosos discos celebérrimos. En un mundo justo y racional, At the Indie Disco estaría a todas horas en la radio pero tendrá que conformarse con arañar algún seguidor más.

We go down to the indie disco every Thursday night
Dance to our favourite indie hits until the morning light
At the indie disco, the indie disco, at the indie disco yeah

We’ve got a table in the corner that is always ours
Under the poster of Morrissey with a bunch of flowers
We drink and talk about stupid stuff
Then hit the floor for Tainted love
You know I just can’t get enough
At the indie disco, the indie disco, at the indie disco yeah

Give us some Pixies and some Roses and some Valentines
Give us some Blur, and some Cure, and some Wannadies
And now we’re moving to the beat
And staring at each other’s feet
I wonder if she fancies me
At the indie disco, the indie disco, at the indie disco yeah

And when it’s over and I’m freezing on the night bus home
I think of her and I sing the words to my favourite song
She makes my heart beat the same way
As at the start of Blue Monday
Always the last song that they play
At the indie disco, the indie disco, at the indie disco yeah yeah yeah...
At the indie disco... the indie disco... at the indie disco yeah

lunes, 14 de junio de 2010

Mondo Bizarro (3): Miriam Diaz Aroca y el mes del congelado.


Hay que ver para lo que ha quedado la cuñada de Belinda Washington... Ahora se dedica a promocionar el mes del congelado en supermercados Eroski y a aparecer en corrillos televisivos el dia después de la gala de Oscar recordando que ella era una de las cuatro hermanas de Belle Epoque. Imagen estremecedora, en la que la copresentadora del ultimo Un Dos Tres que merece la pena recordar, se lleva la mano al pecho cual dolorosa de la cruz en estado de criogenización.

Su carrera inició su gafe y su bucle de eterna mala suerte desde el momento en que fue destronada como musa de los niños de España por la superchachitronkimegaguaysupersuperdeverdad Leticia Sabater. A los niños que madrugabamos los sabados por la mañana para ver el divertido Cajón Desastre se nos heló la sangre cuando la sustituyeron por SupertronkiLETI. Un drama para la infancia española que corrió en paralelo al de la desaparación de la EGB. España nunca volvió a ser la misma, y Leti sigue sin rendir cuentas por sus crimenes de guerra.


Repasemos algunos videos de la actriz y presentadora que casi consigue que apartemos la mirada de Victoria Abril durante una escena de Tacones Lejanos y sin hablar ni una sola palabra.

1. La primera aparición de Miriam Diaz Aroca en televisión fue como concursante del programa La Juventud Baila al ritmo de Love in UFO de Sarah Brightman. Ochentera hasta decir hombreras y cardado y anunciando su futuro paso por Mira Quien Baila.

2. Cabecera y presentación de Cajón Desastre, con intento de hipnosis de por medio.



3. La joya bizarra del día, el single Chicos de 1990. Coreografías imposibles y letra que la Liga Católica denunciaria a día de hoy, máxime si tenemos en cuenta la presencia de los mismisimos Reyes Magos en el plató.


4. Septiembre de 1991, inicio de una nueva etapa del mítico Un Dos Tres. "Esta humilde y sencilla presentadora" da paso a las nuevas azafatas. Entre ellas... la hermana de Romy Abradelo.


5. Tremendo documento y canción a cargo de La La Love You. Una canción dedicada a la hermana mayor de Belle Epoque con la colaboración de la mismisima en el videoclip. No pienso hacer ningún comentario porque desde que lo vi esta mañana estoy entre el estupor, el sonrojo y el requiebro flamenco. Verla arrancar la cabeza de uno de los miembros del grupo me parece lo más coherente.

jueves, 10 de junio de 2010

Suicidios Ejemplares (2): DIANE ARBUS


“Es una pena que Diane Arbus esté muerta, porque podría sacar fotos jodidamente buenas aquí”
Brenda Chenowitz (Rachel Griffiths) en A dos metros bajo Tierra (1x01)

Hace pocos días se ha inaugurado en Madrid una exposición de Diane Arbus. Es la primera vez que se cuelgan en la ciudad fotos de la prestigiosa fotografa neoyorkina para una muestra monográfica. Sólo son 20 escasas fotografías de distintas épocas de su carrera, pero es motivo de celebración de primer orden. Casi cuarenta años después de su muerte… ya iba siendo hora. La audacia de sus temas y su particular enfoque fotográfico sigue tan vigente como hace cuatro décadas. El mérito es de la galería La Fábrica.
Nacida Diane Nemerov (1923) en el seno de una adinerada familia judía de New York. Comenzó una relación con el actor y fotografo Allan Arbus a los 14 años y se casó recién cumplidos los 18. El matrimonio se dedicó durante la década de los años cuarenta a la fotografía de moda en prestigiosas revistas como Harper´s Bazard, Vogue o Esquire. En los años cincuenta además de divorciarse de Allan, tomó clases con la fotógrafa austriaca Lisette Model, que ejerció gran influencia sobre Arbus. “Hasta que estudié con Lisette, yo soñaba con fotografiar en lugar de hacerlo. Lisette me aconsejó disfrutar cuando fotografiaba, así que comencé a hacerlo, y después aprendí a disfrutar del propio trabajo de fotografiar”. La década de los 60 es la de su esplendor como fotógrafa y la que abarca lo mejor de su producción. 1967 es el año decisivo en su carrera. La exposición New Documents, organizada por el MOMA de New York la da a conocer al gran público. En 1971, tras una larga depresión, Diane Arbus se suicidó.

Su vida osciló continuamente entre la más profunda depresión y la necesidad de vivir en un permanente estado de euforia. Pasó su vida sumida en un lento proceso autodestructivo que la acabó convirtiendo en la gran artista triste que siempre quiso ser. Un 27 de julio Diane Arbus se suicidó. Se había cortado las venas. Además presentaba los síntomas característicos de una sobredosis de pastillas para dormir.





Recorrió los barrios más sórdidos de su ciudad seleccionando los personajes que le interesaba retratar. Influenciada por la película Freaks de Trodd Browning, mostró una inclinación muy temprana por retratar al diferente y al marginado. Enanos, prostitutas, gentes del circo, transexuales o gente deforme abundan en sus retratos junto con retratos nudistas. Uno de los objetivos de Arbus era el de crear un álbum familiar colectivo, un catálogo de la vida americana moderna partiendo de lo más intrascendente. Muy posiblemente Arbus fotografiara a estas gentes simplemente porque eran las que realmente le interesaban a ella o porque a nadie le interesaban. Arbus ensucia el sueño americano fotografiando aquello que se sale de la norma y del decoro.


Las fotografías de Arbus destacan principalmente por su enfoque directo y sin artificio. “Para mí, el tema de la fotografía será siempre más importante que la imagen.” Los personajes miran directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos y sus peculiaridades. Lo normal aparece como monstruoso y sus personajes acaban ocupando un espacio en medio del limbo entre el realismo y la ilusión. “Si observamos la realidad desde bastante cerca (…), esta se hace fantástica.” La intención de Arbus era producir temor y vergüenza en el espectador. Utiliza una mirada firme y directa, rompe la composición y obliga a los retratados a ser conscientes del hecho de estar siendo retratados.

Partiendo de la premisa de que el valor del planteamiento de un artista reside en el alcance de su propuesta, está claro que Diane Arbus fue una grandísima fotógrafa. Su influencia aún es rastreable y su obra se enriquece con diferentes matices al volver a ella.


(La exposición Diane Arbus. Selected Photographs se puede visitar en la galería La Fabrica (Calle Alameda 9) desde el 27 de mayo al 23 de julio)



Una imagen que parece sacada de una película de Wong Kar Wai

Arbus, autorretratada desnuda

martes, 8 de junio de 2010

HEALTH: USA Boys




Mugre, drogas y sexo son las protagonistas del nuevo clip de HEALTH. Tema inedito incluido en su nuevo disco de remezclas Disco 2, complemento del Get Colour del año pasado. A la venta el 22 de Junio en USA y el 6 de Julio en Europa. Aqui aparecen más electrónicos y menos ruidosos de lo habitual. USA Boys es su tema más accesible con diferencia y aunque les prefiero cuando me dejan sordo, siguen a un nivel muy alto. No se si prefiero comprarme el disco u otra de sus maravillosas camisetas.

Apueste por Una (2): La Funcionaria


8 de Junio 2010, huelga del funcionariado español. Estupendo día para recordar a Vainica Doble y Carlos Berlanga, figuras que sin ningun tipo de duda el pop en español no se merece. El dúo formado por Carmen Santoja y Gloria Van Aerssen nunca saboreó las mieles del éxito y llegaron a pasar por ocho discográficas diferentes a lo largo de sus casi 30 años de carrera . Sin embargo, su influencia sobre generaciones posteriores es más alargada que la ruta de la seda. Grupos de primera fila del panórama de los 90 como Family, Nosoträsh, Le Mans o La Buena Vida han bebido de sus fuentes y siempre es buen momento para reivindicarlas. Uno de los mayores seguidores del dúo fue el componente de Pegamoides y Dinarama, Carlos Berlanga, cuya sensibilidad pop es imposible de adscribir a un solo género.

 La Funcionaria pertenece a Taquicardia. el disco que las Vainica publicaron en 1984. Diez años después, esta canción fue objeto de homenaje por parte de Carlos Berlanga con una versión incluida en su disco Indicios (1994), que contaba con las propias Vainica a los coros. Como todas las letras de Vainica Doble es una pequeña obra de arte en clave de fa. Un texto lleno de hallazgos geniales en torno al deseo tantas veces soñado de desaparecer del mundo y convertirse en un objeto inanimado.


Los papeles se amontonan en mi mesa de trabajo,
harta estoy de partirme los cuernos, contra folios y legajos.

Voy a mandarlo todo al infierno,
no quiero currar a destajo,
Si he de pasar así otro invierno
voy a acabar como un badajo.

Yo no sé por qué hice esta oposición
en vez de estudiar corte y confección.

No le veo la gracia ni el misterio
a ser funcionaria de un Ministerio.

Yo quisiera ser un vegetal
del jardín de un cementerio
o simple mineral.

O también araña de cristal
de un salón estilo imperio
o talla medieval ... de algún monasterio.

Los papeles sobrepasan la altura de mi cabeza,
me tiraría por la ventana si no fuera por pereza.

Yo no sé trabajar sin ganas,
no está en mi naturaleza,
precisas son fuerzas sobrehumanas
para lograr esta proeza.

Yo no sé por qué hice esta oposición
en vez de estudiar corte y confección.

No le veo la gracia ni el misterio
a ser funcionaria de un Ministerio.

Yo quisiera ser un vegetal
del jardín de un cementerio
o simple mineral.

O también araña de cristal
de un salón estilo imperio
o talla medieval ... de algún monasterio


Vainica Doble (1984)



Carlos Berlanga (1994)



lunes, 7 de junio de 2010

Apueste por una (1): We will become Silhouettes



"Y nos convertiremos en siluetas cuando nuestros cuerpos finalmente se marchen"

Esta canción fue incluida originalmente en el disco Give Up de The Postal Service, esa maravilla que por mucha pena que me de, jamás va a tener continuación. Aprovechando el enorme exito del disco, fue extraida como single en 2005, como un último y lejano coletazo para exprimir el disco comercialmente. En el EP del single Such Great Heights (2003) aparecían junto a una nueva canción, un par de versiones a cargo de Iron & Wine y de The Shins que se hicieron cargo de este estupendo cover de We will become silhouettes.
La versión original cantada por el marido de la bella Zooey Deschanel es una melodía eterea que flota sobre el aire viciado, perfecta para soportar días de calor aplastante. ("Porque el aire exterior hará que nuestras células se dividan a un ritmo alarmante hasta que no puedan contenernos. Y ahí es cuando explotamos, y no será una visión agradable"). La versión de The Shins, compañeros de SubPop, transforma la melodía ensoñadora y ensimismada original en un tema pop saltarín al gusto del cuarteto de Nuevo Mexico. Diferentes y complementarias versiones de una canción 10.
The Postal Service (2003)




The Shins (2003)


Curri pierde los papeles (otra vez)



¡Aiiins, mi queridisima Curri y sus problemas de ira! ¡Que mujer esta! Va a tener que salir a presentar el Alto y Claro sin nada encima de la mesa y con una camisa de fuerza. Lo primero que pilla te lo arroja a la cara. Como una quinceañera que se envia notas en medio de clase con su comadre, Curri practica el lanzamiento de teletipo con premeditación y alevosia en medio de su programa. Que le den un canutillo y se pase el Alto y Claro lanzando papeles chupados a Isabel San Sebastian a la cara. O mejor aún...  un bazooka para matarnos a todo.

 Estimada Curry, entregate al maravilloso mundo de los anxiolíticos o  tomate pronto unas vacaciones. Utilizalas en escribir la secuela de tus maravillosos libros cómicos  Los Culpables de la Crisis  o 100 personajes que hunden España. O si te viene mejor regala al mundo una nueva novela como Sola. No te preocupes si las ventas son bajas. Puede que a las bibliotecas públicas de la Comunidad de Madrid no lleguen nuevas ediciones de Kerouak o sea imposible encontrar cualquier rastro de Dennis Cooper, pero toda tu obra tiene hueco por partida doble. Gracias señora Aguirre por utilizar los impuestos madrileños en cosas absolutamente necesarias. Y gracias a Curri por existir.

Lanzamiento de objetos en un plato, deporte olimpico en Madrid 2612


"Voy a confesar un secreto que no he confesado nunca. Si tuviera tiempo y  fuera rica, sería ludópata. No hay cosa que más me divierta que jugar. Orggg,  me encantaría ir a un casino y pasarme tres noches seguidas" (Curri Valenzuela)

viernes, 4 de junio de 2010

Sólo puede quedar una...



Jose Luis Moreno prepara la adaptación española de la mítica serie americana de los años 80 mientras que las originales Golden Girls caen como chinches. Hoy murió Rue McClanahan, la inolvidable Blanche Devereaux. Sobrevive Betty White, la despistada Rose, a la que el año pasado pudimos ver en la taquillera comedia veraniega de Sandra Bullock, La Proposición. La adaptación española estará protagonizada por Concha Velasco, Carmen Maura, Alicia Hermida y Lola Herrera. Gran casting, para algo que da mucho miedo Moreno.

Esperanza para la humanidad por debajo de Despeñaperros

Aún hay esperanza para la humanidad. Unos chicos de secundaria de un colegio de las afueras de Sevilla se han dedicado a hacer este video maravilloso en horas lectivas. En lugar de prenderle fuego a la profe de matemáticas y estudiarse el consultorio sexual de la Nuevo Vale han organizado un lib dup estupendo con una canción de Belle & Sebastian de fondo. Desde un colegio por debajo de Despeñaperros, el Huerta de Santa Ana llega una raza de jovenes a proteger como el fuego en mitad del Apocalipsis. Han conseguido que se me ponga la carne de gallina al verles cantar a grito pelao al final. Enhorabuena!!
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Y el clip original para promocionar el album The Life Pursuit (2006). Belle & Sebastian estarán actuando en Santander a finales de Julio y se supone que en León a primeros de agosto.


jueves, 3 de junio de 2010

En el Punto de Partida



Cuatro años sin la más grande, la reina del gintonic. Y cuatro años de este momento antológico de la televisión. Jamás olvidaré aquella noche de botellón, con la Jurado, despidiendola y  aplaudiendo cada momento de bizarrismo ilustrado.

 En el Punto de Partido en versión Aristogatas en Celo por La Jurado y Mónica Naranjas. Un clásico. Enorme los gritos, los movimientos heavies y todo todo sin desperdicio. Por momentos parece que la Jurado va a ponerse a parir de tanto esfuerzo como está haciendo. Muy grande. Que resucite ya por favor y que cuando lo haga la Pantoja esté en la carcel y vaya a darle una paliza. O mejor aún que le cante el "Hoy quiero confesar que estas encarcelada". La Juri, tiene ovarios para eso y más. Pues menuda es...  tiene que tener a ese hombre, ¿como se llamaba?... Ah si! San Pedro, pues lo tiene como una ola.

martes, 1 de junio de 2010

Lo que el Primavera Sound 2010 se llevó...


JUEVES 28

SURFER BLOOD 19.15 (PITCHFORK)

Me queda la duda de si llegan a la edad permitida para acceder al recinto pero ninguna de que elegir a la banda mimada por Pitchfork como inicio del festival fue una elección perfecta. El directo de la banda de Florida amplificó las virtudes de su disco de debut Astro Coast. De energía desbordante y con un vocalista estupendo los Surfer Blood nos pusieron a saltar desde primera hora. Posiblemente es el único grupo actual que introduce elementos de eso tan abominable que algunos se empeñan en llamar Afroindie sin provocarme arcadas. Lo suyo es una mezcla perfecta entre el college rock de Weezer, los himnos de Pavement y el rock surfero que llevan en su nombre. Se permitieron el lujo de anunciar Swin como su propio Poker Face y Twin Peaks me sigue pareciendo su mejor canción. 8



THE XX 21.15 (RAY BAN)

Se palpaba una enorme expectación entre el público por disfrutar del directo del ahora trio. Casi una hora antes del inicio el anfiteatro del fórum comenzaba a ser un hervidero de gente mientras el cielo se cubría de nubes. El inicio del concierto bajo la lluvia dejó claro muy pronto que en un entorno tan grande y ante un público tan masivo las virtudes de un disco tan minimalista no iban a lucir de la misma manera. El sonido entre malo y pésimo se mezclaba entre los gritos de un público dispuesto a corear y bailar de manera inexplicable unas canciones que predisponen al silencio. (Visto y oído a tres zorras pajarracas “venga que nos vamos, esta canción es antiquísima”). Una pequeña decepción por mucho que mejoraran en la segunda parte. 5´5



WILD BEASTS 23:00 (PITCHFORK)

Otra de las bandas mimadas por Pitchfork y autores del enorme disco Two Dancers fueron la siguiente elección. De nuevo una lástima la escasa (más bien nula) calidad del sonido en los primeros temas y una lástima triple la presencia de una zorra pajarraca neopostromántica indignada por no ocupar la primera fila. Todo mejoró pronto y acabaron por ofrecer un show intenso que acabó con la enorme Hooting and Howling. A la espera de verles en mejores condiciones. 7

PAVEMENT 01:00 (SAN MIGUEL)

El escenario principal estaba a rebosar poco antes de que la banda de Stephen Malknus saliera a escena. Esperadísima reunión que se convirtió por meritos propios en lo más esperado de esta edición. No sé si han vuelto por la pasta o si en un futuro volverán a grabar pero desde luego verles sobre un escenario ahora mismo no produce ningun sonrojo. Arrancaron con Cut your Hair y todo el público botando. Ofrecieron un show virtuoso que hizo echar de menos el sonido destartalado de su primer disco, el seminal Slanted & Enchanted y poco más puedo decir porque no veía absolutamente nada y me estaba agobiando enormemente. 45 minutos después me marché en busca de una primera fila en los Fuck Buttons.



FUCK BUTTONS 02:00 (RAY BAN)

Con los Fuck Buttons esperaba entrar en el infierno, pero finalmente me quede en el purgatorio. Arrancaron a lo bestia con Surf Solar y fueron desgranando su tormenta de ruido, loops y bajos en una sesión que no fue ni de más a menos, ni de menos a más sino en espiral. Una mala secuenciación de los temas que más que hacernos bailar me dejó en un bucle extraño. Tenía unas ganas inmensas de agitar los brazos pero me quede moviendo la cabeza en trance, quizás es lo que pretendían. A pesar de todo no queda duda de que deberían estar en cualquier festival ahora mismo. Tarot Sport es inmenso. 6.5



MODERAT 03:30 (VICE)

El súper grupo de música electrónica formado por Modeselektor y Apparat protagonizaron la decepción más grande del festival. Son los autores de uno de los mejores discos del pasado año, pero lo que sonaba por allí sólo podría ser calificado como de una mierda del tamaño de la antigua Unión Soviética. Por si no fuera poco tener que lidiar con un sonido más bajo que Danny de de Vito, decidieron limitarse a programar las bases y prescindir de la parte vocal. Cuando lo hicieron aquello parecía Sonrisas y Lágrimas y no la fiesta que esperaba ansioso. 0


MARC PIÑOL 4:30 (VICE)

Tras el desastre de Moderat, el jueves no cerró mucho mejor. El calor no volvió a un escenario Vice desangelado y una tormenta repentina hizo mucho más interesante irse a descansar y prepararse para el largo viernes que esperaba.



VIERNES 29

OWEN PALLET 16:00 (AUDITORI ROCKDELUX)

La inmensa cola que rodeaba el auditorio y la temprana hora a la que fue programado hizo que llegara 15 minutejos tarde pero sin ninguna duda mereció la pena el madrugón. Si cerrabas los ojos en mitad de la oscuridad podrías pensar que en el escenario había una orquesta de 15 personas tocando. Pallet, en solitario o con otro músico, se bastó y se sobró para desgranar los temas de su estupendo nuevo disco Heartland y dejarnos con la boca abierta. Casi al final comenzó a hacer loops con el teclado y el violín y sorprendió con una versión del hit Odessa de Caribou que me dejo con la boca abierta. 9



LOW performing THE GREAT DESTROYER 18:50 (AUDITORI ROCKDELUX)

Más de una hora de cola fue necesaria para poder ver el show de los mormones de Duluth en un buen lugar. La ocasión lo merecía. Sin disco nuevo desde el fantástico Drums and Guns de 2007, para la ocasión decidieron rememorar uno de sus discos más discutidos The Great Destroyer (2004). En su momento dividió a su público por ofrecer un leve giro hacia un sonido más tradicional pero el tiempo lo ha colocado en su lugar como la transición perfecta entre el minimalismo llevado a rajatabla de su discografía previa y el avance que ofrecieron en su disco de 2007. No llegaron a emocionarme tanto como esperaba pero Cue the Strings o Death of a Salesman casi me hacen asomar una lagrimilla. La media luz y el recogimiento del Auditori fueron el escenario perfecto para su slowcore emotivo con una Alan Spawhark desgranando guitarrazos y una Mimi que olvido peinarse aquella tarde. 8.5


BEACH HOUSE 21:40 (ATP)

El maravilloso escenario ATP se quedó muy pequeño para la multitud que esperaba el directo del dúo de Baltimore. Con la misma escenografía que en el pasado Primavera Club y de nuevo convertidos en trío para la ocasión, Beach House demostraron que hasta el momento son de lo mejor que le ha pasado a la música pop en este 2010. Desplegaron su pop ensoñador y evocador al caer el sol y con el mar de fondo. Un marco idóneo donde Victoria Legrand derrochó magnetismo, vozarrón y unos movimientos de cuello y melena que ni Norma Duval. Sonaron los grandes temas de su celebrado disco Teen Dream (2010) como Zebra, Walk in the Park, Norway o Used to be y rescataron temas de sus primeros discos como Heart of Chambers. Grandes. 9.


LES SAVY FAV 23:00 (ATP)

En cuanto la Vicky dejó de mover la melena, a correr gradas abajo para pelear por una primera fila que me permitiera aferrarme a la valla y no morir en lo que esperaba a continuación. En cuanto el cantante de Les Savy Fav salió al escenario disfrazado de algo parecido al yeti la gente comenzó a volar por encima de mi cabeza y caer al foso. Los de seguridad se volvieron locos recogiendo cadáveres del suelo, y los técnicos de sonido no tenían cables suficiente para perseguir a un Tim Harrington que se paseo por encima del público y entre él. Se desnudó, escupió, se embadurno de pintura,  se lanzó cocaína en forma de polvos de talco y por encima de todo ofrecieron un concierto tremendo. Una bestia con corazón que no dudo en salir corriendo a preguntar a un chico que había caído al foso como se encontraba y plantarle un beso en los morros. 8


PIXIES 01:15 (SAN MIGUEL)

Me hubiera encantado haber podido ver un concierto de Pavement en 1991, de los Smiths en 1986, de David Bowie en 1973 o de los Pixies en 1990. Como el futuro es un timo y aún no es posible viajar en el tiempo hay que conformarse con reuniones por la pasta o la nada. La elección entre asistir a un evento así y que se te caiga un mito (basta recordar la gira de New Order en el 2006) o estar en el escenario de al lado pensando en lo que te estás perdiendo es muy dura. La emoción por ver a los Pixies por primera vez inclinó la balanza hacia el escenario San Miguel. Cuando comenzó el concierto me vi envuelto en el pogo de las primeras filas. Mientras volaba de un lado a otro sin pisar el suelo vislumbre a un señor con pinta de lesbiana gorda llamada Kim Deal y a un Francis Black que era la persona con más tetas entre las 35.000 personas que por allí se agolpaban. Contundentes y profesionales de la avaricia desgranaron lo mejor de un repertorio infalible con desgana. A veces se me hizo difícil reconocer canciones que me sé al dedillo y en temas como Wave of Mutilation no sabía si quien berreaba era Francis Black o la mismísima Esther Aranda. No obstante, pesa la nostalgia, y el saber que te puedes morir habiendo visto algo parecido a una de tus bandas favoritas. Lo mejor, el bis con un Gigantic enorme y el cierre con Where is my mind?. 6.



YEASAYER 02:30 (VICE)

Un auténtico desastre anunciado. Odd Blood (2009) es un disco más que decente con algunos hits de altura estelar, pero el directo de los Yeasayer es otra cosa. Un espectáculo bochornoso más propio de festivales para perroflauticos, pero con Mac claro. Tampoco desentorian en el orgullo gayer. Penoso. Era de esperar… 0


DIPLO 4:30 (PITCHFORK)

Estupendo cierre para una jornada larguísima bajo el techo del escenario de Pitchfork. Tras el desastre anterior, fue acercarse por allí y comenzar a saltar que era lo justo y necesario tras tantas horas. Como buena sesión de electrónica a esas horas, recuerdo más bien nada más allá que lo bien que me lo pasé y lo corto que se me hizo.



SABADO 30

GRIZZLY BEAR 21:55 (RAY BAN)

El cansancio acumulado hizo que llegara al forum con el tiempo más que justo para esperar una de las actuaciones que más me apetecia. Mientras me acercaba al escenario Ray Ban una pelirroja que vende muchos discos en Gran Bretaña berreaba en túnica blanca en el escenario principal. Lo de Florence + the Machine no lo entiendo. A lo que iba… expectación máxima para ver a los Grizzly Bear que superaron todas las expectativas que tenía puestas en ellos. Un repertorio basado casi íntegramente en Veckatimest (2009) que no sólo no deslució la calidad de los arreglos barrocos del disco sino que se vio acrecentada en un directo perfecto, intenso y precioso. Se permitieron el lujo de desgranar el hit Two Weeks en mitad del concierto, no hacía falta reservárselo porque todos y cada uno de los temas fueron arrebatadores. Un sonido perfecto, que hacía posible distinguir hasta el clarinete y una actitud en el escenario soberbia. Se echó de menos a Victoria Legrand (Beach House) haciendo coros. Si en 20 años hacen una gira de reunión por la pasta iré a verlos, pero espero que la segunda vez sea antes y a ser posible ahora. La confirmación de que a un buen grupo hay que verlos en su momento de esplendor y no 3 o 15 años más tarde. Lo mejor del festival con diferencia. 10


NO AGE 23:00 (PITCHFORK)

Casi sin tiempo de respirar y sin ganas de cambiar de género tan rápido, a por los No Age. Me costó meterme en el concierto y me quedé bastante lejos. Otra vez será.

LIQUID LIQUID 00:30 (ATP)

Aprovechando un hueco libre y gracias a una recomendación de última hora me plante en las gradas del ATP para ver a Liquid Liquid sin tener mucha idea de lo que iban a hacer. En cuanto empezó a sonar un punk funk de primerísimo nivel me comenzó a dar una envidia enorme de todos los que bailaban como posesos abajo. Fiesta por sorpresa. 7´5


PET SHOP BOYS 01:15 (SAN MIGUEL)

La inclusion de los Pechos Boys como cabeza de cartel ha sido discutida hasta última hora. ¿Concesión al mainstream o justicia para una de las mejores bandas de pop electrónico de la historia? El dúo británico ha recuperado la buena prensa en los últimos años sin saber muy bien porqué. Podría haber sido en 2006 cuando publicaron el estupendo Fundamental, pero los astros se han alineado para que sea en 2009 con Yes. Su prestigio es merecidísimo pero el sábado me apetecían otras cosas y me fui a la mitad de un concierto que redundaba excesivamente en el kitsch y en la performance. Love etc... o Always on my mind fueron algunos de los mejores momentos que escuché y por desgracia me tocó en suerte Go West un hit indefendible y más hortera que Marina D´or. Haciendo la croqueta en el césped me lo pasé pipa.


THE ALMIGHTY DEFENDERS 01.45 (VICE)

Tuve que tragarme media hora de este engendro por dos motivos, el retraso que acumulaba el escenario Vice y las ganas de pillar un buen sitio para ver a Health. Un auténtico espantajo de grupo disfrazados de no se sabe muy bien qué. Ardo en deseos de malsanos de ver como los defienden en la Vice.

HEALTH 03:00 (VICE)

A la misma hora tocaban The Field, pero con el festival a punto de terminar mucho mejor apostar sobre seguro y esperar la salida del cuarteto de Los Angeles. Nada más empezar el cantante tuvo problemas con el micro, se cabreo más que Maria Patiño y comenzó a soltar improperios y soltar aun más ruido. Una maravilla de chico. Casi tanto como el otro rubio. En esta ocasión los HEALTH se presentaron más electrónicos que para algo presentaban disco de remezclas pero ofrecieron el mismo espectáculo de ruido y distorsión que esperaba. Una maravilla, aunque me dejó más sordo la pajarraca zorra absurda que tenia detrás (había sobredosis) que los propios HEALTH. Es la tercera vez en los últimos seis meses que veo un show suyo y repetiría hoy mismo. 8,5


BOY 8-BIT 04:15 (VICE) y FAKE BLOOD 04.15 (PITCHFORK)

Pues puedo decir lo mismo que con Diplo el día pasado. Si estaba saltando como un poseso y sin parar de moverme eso es buena señal. Por muy ciego que vayas, si la música es un muermo, te duermes. No fue el caso.

Me quedé con enormes ganas de ver a Delorean, Major Lazer, The Drums, Cold Cave, The Fall, Japandroids, Ganglians, Condo Fucks o The Field, pero de momento, y sólo de momento no tengo el don de la ubicuidad. Hasta el año que viene!